大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于古代建筑远景画法的问题，于是小编就整理了4个相关介绍古代建筑远景画法的解答，让我们一起看看吧。
- 中国古代竹石绘画类型？
- 绘画时不会画场景，应该怎么累积元素？
- 摄影作品中有“景深”突出层次感，那么绘画、雕刻作品中有什么呢？
- 有人说中国山水画构图由近景、中景、远景等元素组成，几千年来一成不变，应该如何创新发展？
中国古代竹石绘画类型？
《潇湘竹石图》为北宋苏轼创作的绢本水墨画，现藏于中国美术馆。
《潇湘竹石图》纵28厘米，横105.6厘米，图画以极富层次感的笔墨表现了近景拳石疏竹的雅逸清隽，远景山水的烟霭朦胧，让人在咫尺画幅内如阅千里江山，是以竹石山水寄托文人精神情怀的典范之作
绘画时不会画场景，应该怎么累积元素？
你这是创作冲动盖过了创作经验的表现。驾驭不住自己。是没有或者短时间内失去天赋的人常有的一种状态。
除了进行大量练习没有别的方法，画技靠的是肌肉记忆。创作靠的是画面记忆。
多看多想对你的提升来说还没用，你现在需要的就是大量的练习和模仿。
模仿不是临摹，而是搜集和拼凑。就是抄袭的意思。在创作中抄袭别人的创意，不要带偏见，能抄就抄。不要在意自己。大量的练习下来你就会进入到下一步。
绘画时不会画场景，这是哪个老师教的徒弟。该不是还没有拜师吧。知道是什么原因吗？
为什么不会画场景，是因为你的画构图时画的太大了，没有画场景的空间了。
在学习素描时，老师常提到构图的一般规律形状，如三角形构图，棱形构图，S形构图，这些都是指摆静物的形状，有时还在后边放点背景布，这些静物都不会靠的很近。在画素描时，背景和静物连在一起画，这种背景和桌面就是绘画的场景，
在实际野外写生或创作时构主体图形时，—定要留出大量空白，这些空白就是为场景做准备的，要画出场景，你还要学学什么是空间***，空间几何体的规律。
—幅画是由背影(场景，景深，远景)和主体所组成。主体宁小务大。训练场景，你最好找一个广场，那些地平是由方块组成的，由近到远练习几决，或有台阶的平台也是训练的好地方。
摄影作品中有“景深”突出层次感，那么绘画、雕刻作品中有什么呢？
我来回答一下绘画方面，其实摄影与绘画都是平面艺术，而摄影的很多技术都是从绘画而来的，比如色彩的基础理论知识（比如下面要提到的补色），人物面部光线的运用（最有名的就是轮布朗光了），横竖画幅的叫法（横向为风景landscape，纵向为肖像portrait）。景深方面，绘画也是可以通过虚化背景来实现的，同时色彩对比的运用也可以加强这一效果。
从蒙娜丽莎的微笑这幅画我们就可以看到背景是比人模糊的，最远处还有云雾效果。而且近处的背景为橙色更贴近人的肤色，远处的背景为teal水鸭色。teal和orange对比度最强的一对补色，这种色彩的对比也可以用于增强景深效果。
关于摄影作品中的景深突出层次感，在绘画作品中，无论是油画还是中国画，特别是中国山水画，这个问题非常突出，为了解决画面的立体感，必须要有景深，突出远景和近景。雕塑作品亦然。
绘画、雕塑，以及后来产生的摄影，都是视觉艺术，从表现原理上，它们都是相通的。摄影的完善，是借鉴了不少绘画和雕塑的表现手法。可以说，没有绘画和雕塑在表现技法上的前车之鉴，摄影也不会取得今天的成就。
芭蕾舞《天鹅湖》剧照
在摄影中，通常用“景深”来突出层次感，景深顾名思义，就是两个景物成像时，眼睛能感觉到的前后、远近上的纵深距离。
一般情况下，所有视觉艺术，都是近景轮廓清晰，体积大，远景形象模糊，体积小，能给人感官上凸显出物象所排列出来的层次感，让观者目测到物象间的大体位置。
《断臂的维纳斯》
通常情况下，西方绘画用***原理和明暗关系，以及色彩的轻重来凸显层次感。
以古希腊雕塑《断臂的维纳斯》为例，光线斜射在维纳斯身上，导致她的左边身体光线明亮，右边灰暗。尤其左半边脸上处在阴影之下，由于左边脸庞模糊，恰恰突出了距离光源远近、前后的实际关系，在视觉上，很好地体现出人体固有的立体感和层次感。
有人说中国山水画构图由近景、中景、远景等元素组成，几千年来一成不变，应该如何创新发展？
中国山水画是中国传统的很有特色的画种，通过近，中、远景的表现出大自然美。给人无限的想象的空间，并有亲临其景的视觉。每位国画大师用不同的表现手法画出山川的韵味。我认为在继承传统的基础出上现代人应有所创新。在用笔，用色，构图上大胆的创作突破前人的画法。我认为就是国画不失绘画材质的前提上，特别是色彩表现***用中西结合的方法，更能提高山水画的表现力。
首先声明，我不会绘画，不会国画。甚至我没有学过专门的国画鉴赏。但我说说我个人是怎么看一幅国画的，特别是山水画。
题目里所说的一成不变的，在我个人理解，应该是文人山水画，特别是宋以后的文人山水画。
文人山水画有一个我个人认为特别明显的套路，就是仰视，平视，还有俯视三部分，有明显区分！我不知道这样的画法有没有专门的名词解释。
文人山水画有一个重要的门类就是溪山图。上部是高耸的山，这是属于仰视；中部山腰也许有一间房子或一条瀑布，就属于平视。下部就是一条溪流，俯视。
这三个视角所展示的内容就构成了整幅山水画。我不知道提问者所说的一成不变是不是指我所说的这三个视角。
我想说，这样的结构构成，没有必要非得去要求创新。就像诗词的格式，我们要创新的并不是它的格式，而是它的内容，它的内涵。
小子浅见！望能点个赞！
山水画形成一千多年来，形成了自有的章法和构图规律，早在南北朝谢赫就提出了“六法”，这是中国画审美观的基础，也是后世对中国画的基本要求，到了宋代，山水画成熟了之后，郭熙在《林泉高致》中提出了三远法，即高远，平远，深远，直白的说就是仰视，平视，俯视三种视角，三远法的提出，给山水画指定了一种创作方向，三远法与六法的相结合，加上中国画散点***的特点，形成了山水画主流构图方式，并且在后来的山水画创作中一直在应用，这就是中国山水画与西洋风景画所不同的地方，西洋绘画是焦点***，用光影的变化体现物体的形象质感，中国画不重视光影效果，注重的是物体的阴阳向背，景物的组合可以有取舍，可以在中国画构图原则下进行加工，所以，中国山水画所绘制的景物与实物不同，在实景中可能找不到画中的景物，但是，去过景点的人就能认出画的是什么地方，这也是中国山水画的妙处之所在。
到了近代，中国画引进了很多西洋绘画的元素，对光影效果的处理也应用到山水画的创作中，也取得了一定的成就，也引起了传统山水画与现代山水画的论战，大凡新生事物出现的时候，都会有质疑的声音出现，但是，中国画是要发展的，与世界艺术的相互借鉴和相互融合无疑是一件好事，但是，中国画的根本是不能丢的。
谢谢邀请
一幅山水画的构成，是由笔，墨，章法（构图）三部分完成的。普遍的构图方法由近景中景远景组成，但不是全部。历代很多名家并不遵循这个普遍规律，传统也从来不是一成不变的，最明显的比如清初石涛和尚，常常***取截取法，构图千变万化。
时代发展到今天，山水画已经失去了传统中很多好的元素，我们急需要恶补传统，何必非得走的那么急而成了无源之水无本之木。
一点浅见。
到此，以上就是小编对于古代建筑远景画法的问题就介绍到这了，希望介绍关于古代建筑远景画法的4点解答对大家有用。
